Descubriendo el lado oculto de la música

Dark side of the moon 

Pink Floyd

Rock progresivo, 1973.

Nadie puede dudar de la innovación que supuso la irrupción de los grupos de rock progresivo y sinfónico, y sobre todo Pink Floyd, en el devenir de la música a partir de los años 70. Cientos de bandas y miles de canciones de otros estilos se han visto sensiblemente enriquecidos gracias a los hallazgos que hicieron estas formaciones.

El cuarteto londinense Pink Floyd es el grupo progresivo que consiguió los mejores resultados en sus viajes por las posibilidades de la música. Desde el 'The piper at the gates of dawn' hasta 'Meddle', los cuatro integrantes de la banda fueron combinando de un forma magistral los sonidos psicodélicos con su nueva forma de hacer música, dando como resultado mastodónticas canciones que dejaban espacio para la improvisación, la grandiosidad, las larguísimas progresiones, los experimentos sonoros, la variedad de ambientes y partes y, en definitiva, al genio creativo de un cuarteto comandado con mano firme por el bajista y cantante Roger Waters.

La cima de estos siete primeros años de existencia del grupo fue el disco 'Dark side of the moon', una obra maestra en la que Waters, el guitarrista David Gilmour, el batería Nick Mason y el teclista Richard Wright vuelcan todas las conclusiones positivas de sus primeras canciones para confeccionar un álbum conceptual que raya la perfección, si es que ésta puede existir en una expresión artística como es la música.

Presentado como una única canción en la que cada tema supone un capítulo, 'Dark side of the moon' incluye dos de las piezas más reconocidas de la carrera del cuarteto británico, 'Money' y 'Time', además de otras composiciones de indudable belleza y calidad como 'Breathe in the air' o 'Us and them'.

El disco tiene tiempo para mostrar todas las características de la banda: la gradiosidad de algunas canciones, la lírica de calidad poética y mensaje poco optimista, los experimentos con el teclado y los efectos sonoros, las composiciones delicadas, los sonidos rockeros, las explosiones guitarreras y, en definitiva, las cotas tan altas que puede alcanzar la creación musical cuando un grupo dispone de los mimbres adecuados. 

La revolución del Sur

The Allman Brothers Band

The Allman Brothers Band

Rock sureño, 1969.

El rock sureño supuso un soplo de aire fresco en un panorama musical que se enconrtaba sin una dirección clara por los experimentos, en algunos casos mal encaminados o sobrevalorados, de la psicodelia. Tomando influencias de prácticamente todos los estilos de la música popular del momento, desde el country o el folk hasta el blues, el funky y el soul, que se conviertieron en sus fronteras, este estilo fue evolucionando hasta configurar un movimiento amplio con un variedad de tendencias casi tan grande como el número de grupos.

'The Allman Brothers Band', comecializado en Europa durante muchos años como 'Beginings' junto al segundo disco de la banda, 'Idlewild south', es el disco que sirvió de avanzadilla para la configuración en los años posteriores del sonido sureño. De inspiración bluesera, este álbum ya muestra algunas de las características de las mejores obras de la banda: variedad de ritmos, partes y ambientes, gusto por la improvisación, frases guitarreras imposibles, influencias y sonidos de lo más variado y largos momentos instrumentales, sobre todo de sus guitarristas Duane Allman y Dickey Betts.

El disco se abre con 'Don't want you no more', un potente riff de influencia blues que pronto deviene en una parte instrumental de ritmo latino. Esta canción se une a 'It's not my cross to bear', una balada bluesera cargada de sentimiento y virtuosismo instrumental.

Otras canciones, algunas de ellas versiones de clásicos, como 'Black hearted woman', 'Trouble no more' o 'Every hungry woman', muestran el gusto por el blues pero van dando pistas de la forma de tocar y hacer canciones de este original e imaginativo grupo. 

El álbum concluye con dos de las mejores composiciones de esta primera época de la banda de los hermanos Allman, 'Dreams I'll never see' y 'Whipping post'.

Las raíces del rock'n roll

Exile on Main Street

The Rolling Stones

Rock, 1972.

Cansados de las fiestas y una vida social más que activa, que les habia hecho tener bastante mala prensa a ambos lados del Atlántico, The Rolling Stones decidieron tomarse un respiro de esta agitada agenda a principios de los setenta para sentarse a preparar un nuevo disco que, a la postre, sería una de las propuestas más completas, innovadoras y talentosas del quinteto de Jagger y Richards. 'Exile on Main Street', disco doble de dieciocho canciones, 'rara avis' en la época, fue gestado en una lujosa casa de campo de la Bretaña francesa donde los Stones y un selecto grupo de amigos invirtieron unos meses de descanso de su vida festiva para rematar un álbum en el que se dejan ver todas las influencias y capacidades de Sus Satánicas Majestades.

Blues, soul, rock'n roll visceral y riffs 'stonianos' se conjugan a la perfección para dar luz a este 'exilio en la calle Mayor' en el que los cinco Stones contaron con la ayuda de músicos de la talla de Bobby Keys, Billy Preston o Mac 'Dr. John' Rebenack.

A pesar de la grandeza de este álbum, su repertorio no incluye ninguna de las canciones más afamadas de los Stones, al margen de dos joyas menores que no faltan en casi ningún concierto, 'Tumbling dice' y 'Happy', aunque la valía del mismo se encuentra precisamente en cómo Jagger, Richards y compañía bucean en los sonidos más clásicos, en todos los estilos, en las raíces del rock'n roll, para llevarlos a su terreno, empaquetarlo todo magistralmente y ofrecérselo como regalo a sus seguidores.

El magnífico riff guitarrero de 'Rocks off' abre el disco para recordar al oyente que, al margen de lo que va a escuchar, se trata de un disco de los Stones, que no pueden olvidar su rock'n roll callejero, sucio y lujurioso ni en esta canción ni en 'All down the line', 'Soul survivor' o 'Stop breaking down', así como tampoco en 'Tumbling dice' o 'Happy'. De influencia más clásica son otras canciones rockeras, como el frenético 'Rip this joint' o el cavernoso 'Shake your hips'.

Sin embargo, lo más llamativo de este disco es la capacidad del quinteto para calzarse a la perfección trajes de otros estilos. Así, Jagger, richards y los suyos abordan canciones folk ('Turd in the run', 'Sweet black angel'), blues de diferentes sonoridades ('Casino boogie', 'Ventilator blues'), country ('Sweet Virginia') y, sobre todo, soul y gospel, con las magníficas baladas 'Loving cup', 'Torn and frayed', 'Shine a light' y 'Let it loose'.

La nueva ola

My aim is true

Elvis Costello

Pop-rock, 1977.

A finales de los setenta, el panorama musical y la juventud de la época necesitaban de nuevos héroes. La generación del 69 quedaba ya muy lejana y sus supervivientes habían perdido cierta frescura, mientras que los estilos surgidos desde entonces eran ya de sobra conocidos y no ofrecían sobresaltos. En esta coyuntura, fue el punk y, con menos decibelios, la nueva ola (new wave) los que se encargaron de dotar a los oyentes de nuevos sonidos para encarar el inicio de la nueva década, la de los ochenta, tan desastrosa en muchos aspectos.

Elvis Costello fue uno de esos rupturistas que decidieron tomar la amalgama de influencias de la década anterior para iniciar su propia y breve revolución y romper con la estética tanto musical como de vestimenta. En concreto, a Costello le duró tres discos esta efervescencia, dedicando el resto de su ya extensa carrera el pop y al rock más tradicionales, basados en un enciclopédico conocimiento de la música popular y con frecuentes devaneos bizarros en la ópera, la música clásica y el country.

Así, este tipo larguirucho y poco agraciado se presentó ante el público con unas enormes gafas de pasta y el pelo corto, desechando el habitual 'look' del rock'n roll desde finales de los sesenta, y reivindicaciones canciones sencillas, de tres minutos, con estrofas y estribillos difereciados, si bien con unas letras bastante alejadas a las tradicionales cursiladas del pop.

Historias sin principio ni final, descripción de sentimientos serpenteantes, preguntas retóricas y existenciales sobre las relaciones humanas y odas contra el alientante trabajo de oficina (como 'Welcome to a working week' o 'I'm not angry'), todo ello con animados ritmos que van desde el rhythm'n blues hasta el reggae y el pop, es lo que contiene este primer disco de Costello, bajo el inquietante y ambicioso título de "mi objetivo es verdadero" (y con mensajes casi desafiantes como el de "(The angels wanna waer my) Red shoes"), la piedra angular de su trilogía 'new wave', que va perdiendo fuerza e interés con cada una de sus siguientes entregas ('This year's model' y 'Armed forces').

'Alison', una sentida balada cuyo tema se aleja de típico "cuánto te quiero, nena", es el tema central del disco, la canción con mejor producción y con algunos de los mejores arreglos. Narra un encuentro incómodo entre dos viejos amigos-amantes, una situación de sentimientos contrapuestos y difíciles de definir.

Cabe destacar el análisis de la idiosincrasia de las relaciones humanas a ritmo de rhytm'n blues de 'Miracle man', la narración de los problemas de pareja de 'No dancing', el rock'n roll que pretende con romper la desidia y el aburrimiento de 'Mistery dance', el canto a una cierta rebeldía en 'Blame it on Cain' y las historias de lírica casi dylaniana de 'Waiting for the end of the world' y 'Less than zero'.

Folk-rock

Highway 61 revisited

Bob Dylan

Folk-rock, 1965

A mediados de los sesenta, Bob Dylan decidió dar un giro a su carrera y, sin perder de vista su conciencia social y su gusto por el folk, conectar con la sensibilidad juvenil de la época. Así, sus canciones ganaron en riqueza instrumental y arreglos al rodearse de una banda y sus letras dieron rienda suelta a sus inquietudes poéticas y la narración de historias. 'Highway 61 revisited' y, un año más tarde, 'Blonde on blonde' fueron los discos que marcaron el cambio y en los que se puede encontrar quizás al mejor Dylan de su larga carrera.

Este disco se abre con la canción que muchos, entre ellos quien firma estas líneas, consideran la mejor de la historia del rock'n roll, 'Like a rolling stone', la historia de una niña bien a la que el destino le enseña que la vida da muchas vueltas. Se trata del primero de una colección de nueve grandes temas en los que Dylan introduce los ritmos y las estructuras del rock'n roll, del blues y el rhythm'n blues y del pop en sus canciones puramente folk. Para este neuvo objetivo, el cantautor se rodea de dos de los más reconocidos músicos de la época, miembros de diferentes formaciones y descubridiores de grandes talentos, el guitarrista Mike Bloomfield y el teclista Al Kooper, que portagonizaron aquella primera actuación eléctrica y abucheada de Dylan en el festival de Newport.

Asi, el tema que da título al álbum es un boogie de carretera, más propio de Canned Heat que del bardo de Minnesotta, en el que Dylan saca a relucir todo tipo de infleuncias y referencias literarias y religiosas. Bluesera es también  'It takes a lot to laugh, it takes a train to cry', mientras que 'From a Buick 6' mezcla a partes iguales la incontinencia verbal del folk con la rítmica frenética del rock'n roll.

En plena época de eclosión del primer pop, con The Beatles, The Kinks y The Byrds en plena forma, Dylan también prueba con estos sonidos más edulcorados en canciones como 'Queen Jane approximately' y 'Just like Tom thumb's blues'. Por otra parte, el cantautor muesta también sus ideas más originales e inquietantes con la desasosegadora 'Ballad of a thin man'.

El disco tiene también sitio para dos momentos más cercanos al Dylan más clásico, más cercano al folk puro y sin injerencias de otros estilos. Por un lado, 'Tombstone blues' es una frenética pieza en la que el cantatutor da rienda suelta a toda su verborrea, mientras que 'Desolation row', que cierra el disco, muestra la cara más sensible y poética del de Minnesotta.

Encontrando el camino

Layla and other assorted love songs

Derek & the Dominos

Rock, 1970.

Derek & the Dominos fue el último intento de Eirc Clapton de encontrar un grupo estable que colmara todas sus expectativas antes de lanzarse a la carretera en solitariode forma definitiva. Si bien el guitarrista no pudo cumplir este objetivo, sí dejó para la posteridad una de las grabaciones más interesantes del rock setentero.

La formación de los Dominos fue casi una casualidad. Después de un fracaso discográfico con su primera propuesta en solitario, 'Eric Clapton', el guitarista no sabía muy bien hacia donde dirigir sus pasos, desestimando por el momento seguir como solista. La participación de Clapton y algunos músicos que habían colaborado en su primer disco en un concierto benéfico dio forma al grupo que, durante las sesiones de ensayo y composición y una pequeña gira por Inglaterra y Estados Unidos, fue variadno levemente su formación.

Finalmente, Eric Clapton, Carl Raddle, Bobby Whitlock, Jim Gordon y Duane Allman se metieron en el estudio para dar a luz un gran disco, que obsequió al rock'n roll con uno de sus mayores himnos guitarreros, 'Layla', descarga eléctrica sobre el desamor que concluye con una impresionante coda instrumental de guitarra y piano.

Después del blues clásico de los Bluesbreakers, los experimentos psicodélicos y blues-rockeros de Cream y el hippismo con coqueteos folk de Blind Faith, los Dominos mostraron a Clapton cuál vendría a ser el camino en su futura carrera en solitario: un rock ecléctico pero nacido del blues, diverso en ritmos e intensidades, con elegantes y trabajados arreglos y el virtuosismo del guitarrista al servicio de la canción.

'Layla' incluye tres versiones de clásicos del blues, 'Key to the highway', 'Nobody knows you when you're down and out' y 'Have you ever loved a woman?', así como una del 'Little wing' de Jimi Hendrix. Desmedidos soliloquios guitarreros, un sentimiento más que activo y pasión musical desatada son características comunes de estos cuatro cortes del disco.

Destaca también 'Bell bottom blues', una delicada balada en la que Clapton huye de los devaneos distorsionados para ofrecer un solo de guitarra de lo mejor de su repertorio. Por su parte, 'Keep on growing', 'Anyday' y 'Why does love got to be so sad?' aportan a este disco la fuerza y la potencia, que se ven culminadas con la inconmensurable 'Layla'. 'Tell the truth' aporta un toque rock'n roll y rhythm'n blues, mientras que 'I am yours' e 'It's too late' conforman las propuestas más originales e inesperadas de la banda. Para abrir el disco, un medio tiempo elegante llemado 'I looked away', mientras que la balada acústica 'Thorn tree in the garden' es la canción elegida para cerrar esta gran obra.

A modo de presentación

Este blog nace con la intención de ser una continuación de una labor que inicié hace años y que ahora tenía abandonada, la de recuperar algunos discos, unos más conocidos y otros menos, unos antiguos y otros recientes, para sacarlos, en algunos casos, del olvido o el anonimato y resaltar sus cualidades o su importancia en la historia de la música popular. Esta aventura comenzó en las páginas de 'Diario de Alcalá' y ahora se traslada a la web para dar mayor sonoridad (si el lector quiere) a estas reflexiones.